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FILE - In this June 1967 file photo, Paul McCartney, from left, George Harrison, Ringo Starr and John Lennon of The Beatles appear backstage during a break in rehearsals for the live broadcast on the "Our World" program at EMI studios in London. Half a century after the Beatles’ psychedelic landmark, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" album, it stands as just one of many musical astonishments of 1967 that shaped what we listen to now. (AP Photo, File)

El Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles acaba de cumplir 50 años de edad, cosa que es un hito para cualquiera, pero en especial para el Mejor Álbum de Todos los Tiempos. Si quieres escuchar a los críticos de música, esto es lo que te dirán: Hubo un tiempo en que la música pop era simple, preocupándose únicamente por las historias de amor y la luna y la inocencia juvenil… y luego llegaron John, Paul, George y Ringo y básicamente cambiaron el formato, creando un nuevo género valiente y atrevido que antes no existía. Ellos fueron los primeros rockeros en rockear, e inspiraron a una generación de otras bandas de rock blancas a rockear también.

Pero escucha el Sgt. Pepper's sin todos los elogios de los críticos y empezarás a preguntarte si no es en realidad el album más sobrevalorado de todos los tiempos. Amo The Beatles, pero Sgt. Pepper's ha envejecido particularmente mal: las referencias lindas a las drogas y sus guiños al music-hall lo hacen escucharse viejo, cosa que se nota cuando analizas lo mucho que le ha costado a este disco agarrar vuelo en la era del streaming. El concepto parece forzado e irrelevante el día de hoy, porque, ¿cuál era su concepto? ¿Que a la gente le gustaba el sexo y las drogas? ¿Que la música podía ser sucia?

Si uno voltea a ver a los otros álbumes editados ese mismo año, la historia resulta muy diferente. The Beatles no estaban solos en su ambición y en su arte; otras bandas activas en ese momento también estaban empezando a pensar conceptualmente sobre los discos. Y muchos de los contemporáneos de la banda de Liverpool sacaron discos que se sostienen incluso bajo los estándares musicales del pop de hoy.

Así que permitámonos imaginar, por un momento, que Sgt. Pepper no fue el mejor álbum que salió en 1967. ¿Quién recibiría este reconocimiento entonces? Resulta que nos vienen a la mente muchos competidores.

Debajo hay una lista de discos que podrían haber sido nombrados como el mejor de 1967 en un universo alterno, donde no se nos hubiera dicho qué logros musicales eran los que teníamos que valorar.

  1. Forever Changes—Love
Love - Alone Again Or (Original Version)

Este álbum de 1967 es el que más suena a que hubiera podido ser grabado por una banda de indie pop orquestal de la época actual. La obra maestra pesimista de la banda de Los Ángeles, Love, es un abismo sardónico de pop orquestal. El guitarrista Johnny Echols lanza líneas de guitarra amenazadoramente torcidas, mientras que la música dirigida por Arthur Lee gira y se hincha con la intención de enterrarte. “Todos queremos nuestra libertad”, se burla Lee, acuchillando al Verano del Amor en el corazón incluso antes de que éste empezar a latir.

  1. Carryin' On With Johnny Cash and June Carter
What'd I Say (Mono Version)

Esto es una colección de duetos alegres lanzados un año y medio antes de que Johnny y June Cash se casaran, pero este álbum no presenta al romance como un dolor que ciega o como un éxtasis; aquí el amor es una colaboración coqueta y a veces torpe. June ruge como una diosa del rock-a-billy en canciones como "Frisky", y su cover de "What'd I Say" de Ray Charles es un desastre alegremente burdo; era punk rock décadas antes de que éste existiera.

  1. Nina Simone Sings the Blues
Nina Simone- Do I Move You (Lyrics in description)

El primer álbum de Nina Simone con RCA cambia su acompañamiento orquestal por una banda de blues. "Do I Move You?" y "Buck" son declaraciones abiertas de intención sexual frente a las que hasta Nicki Minaj twerkearía, mientras que "Backlash Blues" es tan anti-racista como el último material de Kendrick. Es algo que no notarías al escuchar Sgt Pepper's, pero Simone te deja ver que también había deseo, dolor y gozo en 1967.

  1. Classical Music of India—compiled by John Levy
Classical Music Of India (1967) - Vinyl Reincarnation

Las influencias indús de The Beatles han sido muy discutidas y alabadas, pero esta impresionante compilación del filósofo y musicólogo británico John Levy para Nonesuch casi ha quedado en el olvido. El álbum va más allá de la típica sítara con canciones como la frenética "Sarangi" del violinista Fateh Khan y el trabajo de percusión en "Jaitarang" de Chintamani Jain en el xilófono.

  1. Born Under a Bad Sign—Albert King
Albert King - The Hunter

Led Zeppelin, Aerosmith, Eric Clapton y otros pasarían sus carreras enteras tratando de sonar tan encantadoramente sexy-duros como el bluesero Albert King. Este álbum incluye la guitarra punzante y la voz dura de King acompañadas por Booker T. and the MGs, la banda de casa de la innovadora disquera de Memphis, Stax Records.

  1. Songs of Leonard Cohen
Sisters of Mercy - Leonard Cohen

La forma en la que Leonard Cohen mezcla sexo y gracia en su álbum debut suena demasiado inteligente para ser pop, cosa que, por supuesto, es. Hoy recordamos a Cohen por su curtida forma de canto hablado, pero aquí su voz es impresionantemente ligera y expresiva mientras la guitarra semi-clásica acompaña líneas impresionantes como "Oh, the sisters of mercy are not departed or gone… Oh, they brought me their comfort and later they brought me this song."

  1. The Magic Garden—The 5th Dimension
The 5th Dimension - Paper Cup

Como The Beatles, The 5th Dimension adoptó la pulida producción de sencillos de Motown como un patrón para grabar álbumes de larga duración. Jimmy Webb escribió la mayor parte de este agridulce disco sobre amores y rompimientos que culmina con la alegría esquizofrénica de "Paper Cup." Es música rara, trascendental y sensiblera que durará años.

  1. A Gift From a Flower to a Garden—Donovan
Song Of The Naturalist's Wife

El disco doble de Donovan, mitad eléctrico para adultos, mitad acústico para niños, debe de haber sido una novedad en esa época. Pero su versión del género musical twee sigue viviendo en los trabajos de Sufjan Stevens, Devendra Banhardt y todo el género gentilmente ominoso del freak-folk. Hasta los nombres de las canciones son obras de arte: "The Tinker and The Crab", "Starfish-on-the Toast", "Wear Your Love Like Heaven". Los hippies vivirán para siempre.

  1. The Velvet Underground and Nico
Velvet Underground-"Heroin" from "Velvet Underground and Nico" LP

El disco debut de The Velvet Underground es considerado el nacimiento del coolness cerebral y primitivo, mérito que en realidad se lleva el trabajo de uno de los primeros iconos del R&B, Bo Diddley. Aún así, y a pesar de haberse puesto de moda, este disco sigue siendo buenísimo, con canciones como "Heroin" oscilando visceralmente entre la sofisticación y el caos. El punk, metal, art rock, y las regiones más chirriantes de la electrónica le deben mucho a este álbum.

  1. Are You Experienced?—Jimi Hendrix

Resulta un poco shockeante cuando uno se da cuenta de que el primer álbum de Jimi Hendrix salió un mes antes que Sgt. Pepper's. Se siente mucho más actual; ese riff de blues cósmico con el que abre "Foxy Lady" logra mantenerse a través de los años, apareciendo en todo desde Led Zeppelin hasta "Don't Hurt Yourself" de Beyoncé.

  1. Wild Honey—The Beach Boys
I'd Love Just Once to See You

Un exhausto Brian Wilson dejó de llevar a cabo las tareas principales de producción, resultando en el disco más laxo y probablemente más raro de The Beach Boys. Es un tributo tosco al R&B que está lleno de humor, efectos musicales que nos hacen preguntarnos qué estaba pasando ahí, una petición medio pacheca de Wilson de ver a su novia desnuda y una canción sentida que viene del corazón sobre comer tus verduras. Wild Honey augura a George Clinton, De la Soul, Andre 3000, Kanye y cualquier otro genio musical inspirado que alguna vez tomó helio para flotar, alejándose con los ojos bizcos del camino preestablecido.

  1. Patsy Cline's Greatest Hits
Patsy Cline Greatest Hits Side 1 Pt1 HQ

Editado 4 años antes de la muerte temprana de Patsy Cline y reeditado periódicamente a partir de ese primer momento, esta compilación de 12 canciones definió el legado de Cline como la esencia del rompimiento de corazón barroco y extrañamente suave. Como el relanzamiento de Twin Peaks nos deja perfectamente claro, la desesperanza angustiante es tan relevante hoy como lo ha sido siempre.

  1. New and Old Gospel—Jackie McLean
Jackie McLean - Old Gospel

La mezcla de hard bop y avant-garde del saxofonista Jackie McLean es una obra de arte injustamente olvidada que confundió a los escuchas en su momento y que es, 50 años después, gloriosamente confusa todavía. Ornette Coleman es el segundo metal, tocando la trompeta por única vez en un disco de larga duración, y él y McLean tocan sobre los acordes de una sección rítmica incongruentemente salpicada de gospel y blues. La melodía y la armonía se pierden de formas complejas. Cada nota es tan graciosamente incorrecta que resulta sublimemente adecuada.

  1. I Never Loved a Man The Way I Loved You—Aretha Franklin
I Never Loved A Man [The Way I Love You] [Stereo Version]

La iglesia siempre persigue a los cantantes seculares, desde Beyoncé hasta Cee-Lo, pero nadie unió al gospel y al pop mejor de lo que lo hizo Aretha Franklin en este disco. "Respect" es una petición espiritual de igualdad, mientras que la canción que le da nombre al disco pide a gritos la salvación carnal. Es un álbum que merece los elogios universales que ha recibido a lo largo del último medio siglo

  1. A Whole New Thing—Sly and the Family Stone
Sly & The Family Stone - Underdog

Los siguientes discos de Sly Stone son considerados clásicos, pero se habla poco de su primer álbum, cosa que es una grave injusticia. El funk moderno empieza con las cosas nuevas que trae Sly, un caleidoscopio de soul-rock psicodélico construído con pedacitos de R&B desarmado. Antes de que la fusión que dio lugar al rock clásico hubiera siquiera ocurrido, Stone y su banda interracial de género mixto ya estaba siendo pionera de la estética de collage que después llegó hasta el rap. Olvida a The Beatles y su Lonely hearts club band; uno podría discutir que el disco debut de Sly no es solamente el mejor álbum de 1967, sino el mejor álbum de todos los tiempos.

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